人的视觉神经总是设法在眼中改变、调节着色彩．调节着对某个环境的视觉平衡。瞳孔就像光圈．可根据环境的光线来调节大小．当我们进入黑洞洞的暗房．什么也看不见．但一会儿眼睛就适应了：当我们进入钨丝灯布光的影棚．马上感觉到环境被低色温的黄色光笼罩．一会儿眼睛就适应了．能够辨别出白色以及各种各样的色彩。你是否遇到过这样的情况．当扩印员打出一张极度偏品的片子．你不满意．于是又打出一张校正偏品的片子给你．在现场你反复比较．你觉得达到了要求．可回家观看．还是有点儿品。，有时一张稍微偏品的片子．你刚开始觉得有点品．看的时间长了．这种感觉就不强烈了。正是这种适应．在“色彩还原”的调整中影响着准确性。

有经验的摄影者会重视色彩比较的第一感觉．这是与脑子里的色彩观念进行比较的最初的、最敏锐的感觉。这是一种没有受到外界参照物影响的色彩判断．是摄影者长期练就的鉴别能力。当对色彩的辨别处于模糊和犹豫不决的状态时．就要想想色彩比较的第一感觉。

色彩比较中．视觉疲劳决不能忽视．特别是对细微的色彩筹异．视觉疲劳状态下．难以进行色彩判断，，你如果闭口休息一会儿．待恢复后再进行色彩比较．效果会更好。

日光光源最适合人的视觉．这种光源是检验作品“色彩还原”的一种标准光源．．当在室内的模拟日光光源下．对色彩难以辨别、比较时，不妨将照片拿到室外自然光下．一定会做出正确的判断。

在摄影艺术创作中．个体审美在感知、记忆、想象、思维、表达这一整体活动过程中都会受到个人心理素质的直接影响．呈现出具有鲜明倾向性的取含与筛选．被摄对象一旦被摄影人所感知、感悟．便受到了个人的心理素质影响．作品上的被摄对象就会与原型形成差距．摄影实质上就是一个极为个性化的行为过程。

色彩的选择、比较、鉴别也是这样。由于受到先天的固有素质、后天的摄影践以及个人色彩知识的影响．摄影者对色彩选择的倾向与偏好呈现出强烈的个性化．．我们常常看到一些作品的色彩拉开了与现实的距离．但又觉得合理．更有一些优秀作品的色彩被摄影者有意强化．使作品的内涵得到了升华，

艺术提倡个性化．个性化的发展．带来了艺术的繁荣。当然．在对个性化的崇尚和追求的同时．也会造成某些人固守个性的缺陷。

对色彩的认识和鉴别有水平上的高低、有经验贫富的差别．并不是每个人的个性化色彩处理都是符合色彩规律的．如果固执己见、孤芳自赏．个性的发展未免会成为个性的失落。“色彩还原”中，色彩个人化倾向和偏好的影响不可忽视。它既为色彩还原增添艺术的风采．又可能陷入孤陋的个人色彩偏好。

亚当斯曾讲过“用心灵的眼睛看出最后照片上将要表现出来的意义．”心灵的眼睛为艺术的创造力打开了思想的闸门．“色彩还原”的最终效果体现在能动的思维活动之中。因此．对作品色彩的最后确定．应围绕题材、内容的需要和作者内心的感受来进行．这是一种内容与形式紧密结合的处理过程。

色彩有着象征意义．色彩的使用中普遍存在着情感的反应。红色意味着火焰和危险．是热烈的象征：绿色是植物色，包含着平静和新鲜．象征着生命：蓝色是天空的色彩．象征着和平与安静：黄色是阳光色，暗示温暖和喜悦：黑色常与恐怖、死亡联系在一起……但是不同的人对色彩的象征意义．在不同时期、不同环境却有着各种不同的理解．它是因人而异、因时而异、因景而异的。如果一定要把它确定为一种规则．一定要将其死板地去联系、去硬套．那么这些象征意义就失去了应有的价值． “要牢记色彩的象征意义和内涵意义，但却不要过于拿它当真。” (库克-美国)

色彩在创作中表达某种意境与情调时．主要的还是取决于摄影者对被摄体的感受、想象和创造．取决于因景而情的作品内涵。摄影者将因这种感受而进发的激情融人作品．让心景聚合．会产生情景交融的浓厚情调．因此．色彩情调依赖的不是色彩本身．任何离开作品的需要和人的感受去随意增添、调整和改变色彩．失去的只能是作品应有的情调。